Andy Warhol, La ligne et l’image

Depuis le 16 septembre, le Musée du Luxembourg à Paris présente l’exposition Andy Warhol, La ligne et l’image. Cette exposition présente 150 œuvres, principalement des dessins de l’artiste, et s’articule autour de cinq sections.

Les thèmes abordés sont d’abord le début de carrière de Warhol dans la publicité, puis l’importance que l’écriture manuscrite prend dans ses oeuvres, la fascination pour les visages et les masques qu’il exprime, la représentation des questions gay – longtemps restée confidentielle – et enfin des réflexions sur la mort.

Andy Warhol, protagoniste du mouvement Pop art, célèbre pour ses sérigraphies, ses portraits de célébrités, ses sculptures fabriquées à la chaîne, ainsi que ses photographies, a massivement utilisé et popularisé des méthodes de création sérielles, souvent empruntées à l’industrie. Cette fascination pour les technologies mécaniques et la production de masse, qui le conduit même à nommer son atelier The Factory (l’Usine), contraste avec les dessins et oeuvres présentées dans l’exposition Andy Warhol, La ligne et l’image, qui sont, par leur nature manuelle, beaucoup plus proches et intimes à l’individu Andrew Warhola, derrière son personnage artistique Andy Warhol.

 

La tension entre l’utilisation des méthodes sérielles et les productions plus personnelles de Warhol que nous trouvons dans l’exposition, place l’artiste au centre d’une des questions majeures de l’art contemporain, celle de la reproductibilité des oeuvres et, plus largement, celle de l’importance apportée à l’objet d’art en lui même et la manière dont il est produit. Walter Benjamin, philosophe allemand, s’intéresse dans les années 1930 à l’effet qu’ont les nouvelles techniques de reproduction des images sur l’art. Il avance que l’on accordait traditionnellement une importance beaucoup plus forte à l’œuvre d’art originale et unique qu’à ses reproductions, de qualité bien moindre. Or, dès lors que l’œuvre devient reproductible de manière stable et qualitative, comme avec une sérigraphie de Warhol, l’originale perd son unicité, et l’œuvre, sans perdre sa valeur, est restituée en dehors de l’objet même. Andy Warhol, par ses œuvres, va encore plus loin que Benjamin. La reproduction, dans ses séries de portraits par exemple, n’est plus un nouvel aspect des œuvres, mais le sujet principal de celles-ci. Cette mutation du rapport de la société aux œuvres d’art s’est depuis généralisée, et d’autant plus récemment que les technologies numériques se sont développées, rendant l’accès à des images de haute qualité extrêmement commun.

 

La transformation n’est néanmoins pas totale, et le pan de l’œuvre de Warhol que l’exposition Andy Warhol, La ligne et l’image met en avant en est un exemple.

Malgré la diffusion massive des images, elles ne sont pas pour autant toutes perçues comme des œuvres d’art et n’ont pas toutes la même valeur. Une lithographie originale signée et numérotée de Chagall a une valeur marchande très supérieure à un poster imprimé de la même œuvre.

Et cette importance accordée à l’objet persiste aussi chez l’artiste. Prenons l’exemple du collage à la feuille d’or de Warhol la Vierge à l’enfant exposée actuellement. L’œuvre est faite à la main, par l’artiste et de manière laborieuse. L’or utilisé renforce l’aspect unique et précieux du collage. Enfin, le relief de l’œuvre finit de la rendre unique et difficilement reproductible. Le thème de l’œuvre, religieux, est aussi plus personnel et méditatif pour Warhol. L’artiste cherche donc encore, par son procédé de création, une expression de ses préoccupations qui ne peut pas toujours être trouvée dans la reproductibilité.

 

Ainsi, l’exposition Andy Warhol, La ligne et l’image, nous fait découvrir un aspect plus intime et plus unique de l’œuvre de cet artiste étasunien, reflétant des ambitions différentes de celles qu’il affiche dans ses œuvres sérielles.

Cela situe l’artiste en plein cœur des débats contemporains sur l’art et sa nature, entre démocratisation des images, et culte de l’objet toujours persistant.

Zéphyr Hervelin